![](\"http:\/\/cordobateve.net\/wp-content\/uploads\/2021\/03\/cual-es-la-gioconda-argentina-diez-obras-de-arte-que-hay-que-ver-y-como-entenderlas-mejor.jpg\")
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Cualquiera que haya viajado -ah, aquellos tiempos sin barbijo- lo sabe: es habitual llegar a un pa\u00eds y buscar qu\u00e9 obras de arte no hay que perderse.<\/p>\n
No es una sola obra, claro, pero si uno va a Par\u00eds, va a ver la Gioconda<\/a>. En Madrid, por ejemplo, no se quedar\u00eda sin pararse un buen rato ante el Guernica<\/em>.<\/p>\n \u00bfY en la Argentina? Toda selecci\u00f3n es arbitraria, claro, y se puede discutir, pero ac\u00e1 proponemos -yendo desde lo contempor\u00e1neo hacia el siglo XIX- diez trabajos que vale la pena ver, entre la historia y lo m\u00e1s vanguardista, entre lo social y lo experimental.<\/p>\n De Julio Le Parc<\/strong><\/p>\n La gran Esfera azul<\/em> que el artista Julio Le Parc<\/a> don\u00f3 al Centro Cultural Kirchner<\/a> (CCK) en 2016 es, sin dudas, una de las piezas de arte m\u00e1s emblem\u00e1tica para los argentinos: se debe a la importancia de Le Parc<\/strong> dentro de nuestra historia del arte; por su car\u00e1cter de creador original, cin\u00e9tico y \u00f3ptico y por su trayectoria internacional.<\/p>\n La escala de la obra realizada en acr\u00edlico azul -de 4,50 por 4,50 por 4,50 metros-, m\u00e1s su calidad de \u201cm\u00f3vil\u201d (se trata de miles de placas movi\u00e9ndose al ritmo de la brisa), producen un efecto hipn\u00f3tico<\/strong> en quien la mire. A la vez, destella: esparce luces y reflejos.<\/p>\n Cuando don\u00f3 esta obra, el artista -que vive en Par\u00eds desde 1958-, coment\u00f3: \u201cAll\u00ed est\u00e1n, aqu\u00ed se quedaron, de aqu\u00ed los saqu\u00e9, siempre me acompa\u00f1an: esos a\u00f1os intensos de mi ni\u00f1ez. De donde venimos, estamos: centro del mundo, principio del mundo\u2026 El m\u00e1s all\u00e1 ya estaba (entonces, en mi infancia) apoyado por la Cordillera, so\u00f1ando con el mar\u201d.<\/p>\n Estas esferas que Le Parc<\/strong> don\u00f3 a la Argentina simbolizan la demarcaci\u00f3n de su presencia aqu\u00ed; el acto de dejar un poco de s\u00ed mismo en su tierra natal.<\/p>\n Tambi\u00e9n indican una de las obsesiones del creador a lo largo del tiempo: deshacer el mito de un \u201carte \u00fanico\u201d. No hay \u201cuna sola\u201d pieza u obra de arte, ya que el arte debe tener car\u00e1cter democr\u00e1tico, sostuvo Le Parc desde que era un rebelde estudiante de Bellas Artes en la Buenos Aires de comienzos de los a\u00f1os 40, hasta cuando en mayo del 68 fue expulsado de Francia por adherir a las protestas.<\/p>\n Le Parc<\/strong> naci\u00f3 en Palmira, un peque\u00f1o pueblito cercano a los Andes, es el hijo de un trabajador y lleg\u00f3 a tocar el cielo del mundo con las manos a trav\u00e9s de sus obras. Representa el arte, y tambi\u00e9n la ilusi\u00f3n, la esperanza de cada argentino. Sus brillantes y m\u00f3viles obras conducen a la sonrisa, la sorpresa y el bienestar.<\/p>\n No es casualidad: en una realidad dura, el artista siempre pens\u00f3 en otorgar esto al p\u00fablico: un don moment\u00e1neo.<\/p>\n De Marta Minuj\u00edn<\/strong><\/p>\n Brillante, gigante, de cara al mar argentino: el imponente monumento al lobo marino realizado por Marta Minuj\u00edn<\/a> en 2013, la pieza -ubicada sobre la costa en Mar del Plata, en la explanada del Museo de Arte Contempor\u00e1neo- evoca a los guardianes de piedra que cuidan la rambla y el Casino marplatenses desde 1940, creados entonces por el gran Jos\u00e9 Fioravanti.<\/p>\n Pero el lobo de Minuj\u00edn<\/strong> es interactivo: cuando se inaugur\u00f3 -momento en que tambi\u00e9n abri\u00f3 sus puertas al p\u00fablico el MAR-, tuvo como objetivo hacer que el p\u00fablico participara. Por esto ese primer mam\u00edfero escultural fue ef\u00edmero: estaba conformado por unos 80.000 envoltorios de alfajores Havanna<\/strong> -reconocida marca marplatense- que el p\u00fablico pod\u00eda tomar de la escultura y llevarse.<\/p>\n Las personas eleg\u00edan los papeles de alfajor que formaban el pelaje del gigantesco lobo minujense y los cambiaban en cualquier local Havanna<\/strong> del pa\u00eds por un alfajor. Una vez m\u00e1s, la gastronom\u00eda nacional y el buen comer forman parte de un hecho art\u00edstico<\/strong>, esta vez mezclando performance, acci\u00f3n y monumento ef\u00edmero.<\/p>\n Pasado el tiempo, el lobo qued\u00f3 \u201cdesnudo\u201d<\/strong>: los papelitos hab\u00edan volado; el p\u00fablico se los hab\u00eda llevado. Por eso en 2014 el mam\u00edfero de metal fue vuelto a cubrir, pero esta vez con un material permanente: chapitas de aluminio dorado, preparadas especialmente para resistir el salitre marino.<\/p>\n Quien haya vivido la experiencia marplatense del \u201clobo-Marta-Fioravanti\u201d sabe que se trata de un program\u00f3n<\/strong>: no hay nada mejor que, al bajar el sol, sobre el atardecer de la costa de Mardel, cruzar directamente desde la playa hacia la avenida Camet en direcci\u00f3n al museo MAR, brillantes de bronceador, con la sombrilla bajo el brazo, el pareo, las ojotas y las sobras del sandwich de milanesa. La explanada donde se encuentra el Lobo de Minuj\u00edn tiene asientos. Y entonces siempre ocurre lo mismo: las familias reposan all\u00ed, mirando, curiosas, hacia lo alto del custodio dorado, su cara reflectante. El nuevo guardi\u00e1n de la costa.<\/p>\n Infalible para dar en el punto a trav\u00e9s de los \u00edconos pop nacionales, Marta Minuj\u00edn sabe hacia d\u00f3nde girar: su Lobo de alfajores<\/em> es tambi\u00e9n, un nuevo \u00edcono monumental de la querida ciudad costera.<\/p>\n De Pablo Su\u00e1rez<\/strong><\/p>\n Un tipo colgado por fuera de la puerta del subte, vestido s\u00f3lo con jeans y con el torso desnudo; los pelos al viento y la boca entreabierta, asustado por el riesgo de viajar del lado de fuera del vag\u00f3n. Por supuesto que no pag\u00f3 el boleto; est\u00e1 viajando de colado<\/strong>. Dentro del vag\u00f3n viajan quienes s\u00ed pagaron: el artista los representa como personas grises<\/strong>, similares entre s\u00ed, apagadas y aburridas.<\/p>\n Exclusi\u00f3n,<\/em> de Pablo Su\u00e1rez, recurre al c\u00f3digo ir\u00f3nico<\/strong>, el del grotesco, para dar cuenta de quienes quedan por fuera de un sistema<\/strong>: se trata de una obra de cr\u00edtica social pero en clave de humor. De esta manera, Su\u00e1rez sigue la tradici\u00f3n de otros grandes artistas argentinos que trabajaban con la parodia y la iron\u00eda: Juan De Dios Mena, Molina Campos, alg\u00fan per\u00edodo de Antonio Berni<\/a>…\u200b<\/p>\n Realizada en 1999 con materiales como resina de poli\u00e9ster, epoxi, pintura sint\u00e9tica y con un fondo de MDF, a la escultura de Su\u00e1rez<\/strong> no se sabe bien c\u00f3mo ubicarla: podr\u00eda ser algo as\u00ed como una pintura que incluye escultura<\/strong>; una escultura vinculada a la pintura; o una obra que tiene algo de instalaci\u00f3n<\/p>\n Algunos autores sostienen que los ojos desorbitados del protagonista, ante la posibilidad y peligro de caer al vac\u00edo (un recurso que el artista repite a lo largo de sus trabajos) remiten a la biograf\u00eda de Su\u00e1rez<\/strong>: al suicidio de su padre.<\/p>\n Sin poder asegurar esto s\u00ed podemos observar su obra. La relaci\u00f3n entre el t\u00edtulo, Exclusi\u00f3n<\/em>, y la posici\u00f3n del hombre del torso desnudo colgando al l\u00edmite del abismo, nos dan la llave de acceso al gui\u00f1o que ir\u00f3nicamente nos sigue haciendo Su\u00e1rez. \u00bfQui\u00e9nes viajan dentro del subte, qui\u00e9nes colgados\u2026?<\/strong> \u00bfPor qu\u00e9\u2026? Pero en lugar de amargura, la obra nos sorprende gener\u00e1ndonos una sonrisa. Medio \u00e1cida, pero sonrisa al fin.<\/p>\n De Oscar Bony<\/strong><\/p>\n Corr\u00eda el a\u00f1o 1968: en medio de la exposici\u00f3n\/evento Experiencias 68<\/em>, dentro del Instituto Di Tella, en plena calle Florida, un artista exhib\u00eda como una obra de arte a una familia entera<\/strong> -el padre que era obrero metal\u00fargico, la madre, el hijo- posando sobre un pedestal durante ocho horas por d\u00eda. La familia obrera<\/em> es el nombre de la obra de Oscar Bony<\/a>, un trabajo que todav\u00eda sigue dando que hablar: porque Bony \u201calquil\u00f3\u201d a una familia trabajadora para ponerla en exposici\u00f3n (les pag\u00f3, algo similar a lo que mucho m\u00e1s tarde har\u00eda el artista espa\u00f1ol Santiago Sierra).<\/p>\n Como fondo de la obra de Bony <\/strong>se escuchaban ruidos y conversaciones grabadas dentro del espacio dom\u00e9stico habitual de esa familia. \u00bfLa salvedad? El artista hab\u00eda colocado al costado de la obra un cartelito en el que explicaba que, para hacer esa pieza, le estaba pagando al padre de la familia el doble de lo que ganar\u00eda <\/strong>durante sus jornadas comunes de trabajo. Resultados: el grito de p\u00fablico y de la cr\u00edtica en el cielo, y los ojos del gobierno dictatorial de Juan Carlos Ongan\u00eda, <\/a>alertas.<\/p>\n \u00bfQu\u00e9 quer\u00eda hacer Bony <\/strong>exponiendo a padre, madre e hijo como si fueran una obra de arte\u2026? Llamaba la atenci\u00f3n sobre c\u00f3mo funcionan la econom\u00eda y el sistema capitalista: con La familia obrera<\/em> mostraba uno de los problemas m\u00e1s frecuentes de una familia com\u00fan (c\u00f3mo hacer para subsistir) <\/strong>y dejaba al descubierto c\u00f3mo, si un contratante ofrece m\u00e1s dinero, el contratado va hacia all\u00ed: esto en medio de la crisis reinante en la dictadura de Ongan\u00eda (1966-1970), que hab\u00eda devaluado al peso nacional un 40 por ciento y congelado los salarios pero mantenido las obras p\u00fablicas (y por esto los obreros segu\u00edan teniendo trabajo). Tambi\u00e9n hab\u00eda impuesto una ley para condicionar las huelgas.<\/p>\n Finalmente, Bony <\/strong>se\u00f1ala el status de la obra de arte: hasta una familia puede convertirse en una obra. Ya no se trata de pintar, dibujar ni esculpir sino de se\u00f1alar una idea<\/strong>, no importa con qu\u00e9 medios ni qu\u00e9 materiales. <\/p>\n Es interesante notar que el obrero-padre de esta familia no se encuentra vestido con la ropa de trabajo <\/strong>ni en posici\u00f3n heroica de reclamo o de lucha sino que porta camisa, pantal\u00f3n de vestir y un libro en la mano. La madre tampoco est\u00e1 realizando labores de la casa o trabajando. En realidad, los tres miembros de la familia tienen libros con ellos: hacen \u201calgo m\u00e1s\u201d que trabajar. <\/strong>Leen. Estudian. Durante esos a\u00f1os, esto era sin\u00f3nimo de cierta movilidad de clase.<\/p>\n En definitiva, La familia obrera<\/em> no es una pieza de arte sino que se trata de otro tipo de producci\u00f3n: se trata de la experiencia como obra de arte<\/strong>. Y de un artista que se convierte en \u201cpatr\u00f3n\u201d, \u201cempresa\u201d o \u201ccontratante\u201d, con una familia y un obrero metal\u00fargico que no \u201cproducen\u201d sino que trabajan de obra de arte (algo que fue considerado escandaloso en los 60: exhibir personas como piezas de museo y trabajadores sin trabajar; algunos consideraron que esto atacaba su dignidad). Ciertos especialistas describieron este tipo de obras de arte producidas en la Argentina de la \u00e9poca como \u201cactos de sadismo laboral expl\u00edcito\u201d.<\/p>\n Tanto La familia… <\/em>como la exposici\u00f3n Experiencias 68 <\/em>fueron hist\u00f3ricas porque la polic\u00eda censur\u00f3 una obra: Ba\u00f1o,<\/em> de Roberto Plate. Ante esto, todos los artistas de la muestra decidieron dejar de exponer, salieron a la calle, destruyeron sus piezas y firmaron un documento contra la censura.<\/p>\n De Antonio Berni<\/strong><\/p>\n Berni <\/a>es un artista fundamental para el arte argentino: hizo grabados en madera a los que incorporaba collages, a veces hecho con basura y chatarra a tama\u00f1o natural: chapas, metales, maderas, telas, arpilleras, encajes que el artista o sus asistentes encontraban en la calle o que compraban (ese buscar en la basura que, desgraciadamente, es marca registrada de las grandes crisis de los pa\u00edses empobrecidos).<\/p>\n Pero Berni <\/strong>fue, sobre todo, autor de dos personajes emblem\u00e1ticos<\/strong> en la historia del arte argentino: Juanito Laguna<\/a>, un chico nacido y crecido en una villa miseria, y Ramona Montiel, una prostituta, personaje influido por la figura de Emma, la prostituta que hab\u00eda creado Lino Enea Spilimbergo.<\/p>\n La influencia ideol\u00f3gica del Partido Comunista -al que Berni se afili\u00f3 en 1931-dio lugar con el tiempo a un \u201cnuevo\u201d tipo de realismo. Es este realismo nuevo -fruto de diversas influencias, entre ellas la del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros<\/a>– lo que puede verse en Pesadilla de los injustos<\/em>.<\/p>\n Pesadilla <\/em>no es un collage. <\/em>tiene una escala de mural (3 por 4 metros) y diversos tratamientos de la materia para conformar ese conjunto de monstruos feroces. La mayor\u00eda fueron realizados con inmensos chorreados y con capas y m\u00e1s capas de pintura impuestas sobre el lienzo con fuerza, con rabia. Los monstruos que se ubican sobre la l\u00ednea de tierra tienen colores y pinceladas muy variados entre s\u00ed. En cambio, los que penden cabeza abajo desde la parte superior de la obra (\u00bfel cielo?) son rojos y similares: podr\u00eda tratarse de un conjunto de demonios-murci\u00e9lagos<\/strong> voladores. Sangu\u00edneos o sanguinolentos.<\/p>\n Se trata de una pintura de una fiereza cr\u00edtica muy poderosa. \u00bfPero qu\u00e9 critica Berni all\u00ed?<\/strong><\/p>\n Por supuesto, esto es interpretable pero lo que s\u00ed es seguro es que el artista pint\u00f3 a estos personajes para representar al conjunto de personas gracias a cuyo accionar un peque\u00f1o ni\u00f1o como Juanito Laguna no puede desarrollarse en paz. Estos monstruos lo rodean, nos dice Berni. <\/strong>Son enormes, pesados y oscuros. Present\u00e1ndose en bloque, representan el mal, el horror. La crueldad<\/strong>.<\/p>\n Y en medio de los tremendos personajes, aparece la Justicia<\/strong>: con la boca entreabierta mostrando sus dientes sucios, con los ojos desorbitados y bajo una forma similar a la de un robot poco sofisticado (hecho de fragmentos pintados de tuercas, bulones y aparatos dom\u00e9sticos). Sostiene una balanza peque\u00f1a, fr\u00e1gil, casi secundaria. La balanza -en comparaci\u00f3n con los monstruos- pr\u00e1cticamente no se percibe<\/strong>. Sin embargo -\u00bfun deseo, un programa pol\u00edtico?- son estos monstruos los que sufren pesadillas, los que no pueden dormir tranquilos porque existen \u201cJuanitos\u201d que sue\u00f1an y llevan adelante un cambio en sus rumbos (individuales, colectivos) para tener una vida mejor.<\/p>\n Xul Solar<\/strong><\/p>\n Ning\u00fan esp\u00edritu m\u00e1s misterioso, complejo y bello que el del artista Oscar Agust\u00edn Alejandro Schulz Solari, m\u00e1s conocido como Xul Solar<\/a> (Xul: lux, luz escrito al rev\u00e9s). Nacido en 1887 en la provincia de Buenos Aires, sus padres y hermanos ya percib\u00edan de chico que se trataba de alguien especial: la vida de Xul ratific\u00f3 luego esta sospecha. Xul no s\u00f3lo fue un artista creador de una obra completamente diferente y original sino que tambi\u00e9n fue un m\u00edstico, un visionario, esot\u00e9rico y ocultista, amante de las letras, la m\u00fasica, la pintura y la filosof\u00eda.<\/p>\n Amigo de Jorge Luis Borges<\/a> -quien frecuentemente lo visitaba en su casa, donde discut\u00edan durante horas sobre religiones-, el artista mantuvo una vida particular: expresaba su mundo interior y sus visiones no s\u00f3lo a trav\u00e9s de pinturas, objetos y dibujos, sino tambi\u00e9n con la creaci\u00f3n de sus propios sistemas de signos y lenguas<\/strong>. Como por ejemplo el Neo-criollo, mezcla de portugu\u00e9s con espa\u00f1ol, alem\u00e1n e ingl\u00e9s, un lenguaje con el que Xul intent\u00f3 unificar Am\u00e9rica latina<\/strong>.<\/p>\n Para Xul, sus obras eran tan s\u00f3lo veh\u00edculos que le permit\u00edan descubrir verdades espirituales. Mezclando taquigraf\u00eda, ideogramas, signos y s\u00edmbolos, as\u00ed como escenas de las visiones que el artista experimentaba, creaba mundos internos y \u00fanicos.<\/p>\n El principal inter\u00e9s de Xul fueron esas dimensiones de lo vital que permanecen ocultas, invisibles en la vida cotidiana. Por eso se involucr\u00f3 con la c\u00e1bala, la astrolog\u00eda y el tarot (entre tantos otros sistemas de adivinaci\u00f3n y creencias), cuyos signos y figuras une entre s\u00ed.<\/p>\n Ejemplo de esto es la obra Signos zodiacales impares<\/em>, realizada entre 1953 y 1954. Reinterpretaci\u00f3n muy personal de los signos y s\u00edmbolos del tarot<\/strong>, mediante estas obras le asigna a cada carta de ese sistema un nombre en Neo-criollo; un signo que puede pertenecer al zod\u00edaco o representar a un planeta; un n\u00famero de acuerdo a la numeraci\u00f3n duodecimal; y una letra.<\/p>\n Durante esos mismos a\u00f1os Xul <\/strong>pint\u00f3 las 24 cartas del tarot en el tama\u00f1o de la baraja espa\u00f1ola, llam\u00e1ndolos Tarot con correspondencia astrol\u00f3gica.<\/em>. En una segunda serie el artista utiliz\u00f3 como referencia el Tarot de Marsella. Mientras que en Signos zodiacales impares<\/em>, Aries, por ejemplo, est\u00e1 representado como Anubis -el guardi\u00e1n de las tumbas egipcio-; Acuario, como la diosa hind\u00fa Ganesh; Sagitario como Zeus; y Libra como la diosa egipcia Maat.<\/p>\n Es dif\u00edcil entrar el \u201cmundo-Xul\u201d: un primer paso para hacerlo es aceptar la existencia de otras realidades<\/strong> que superan la esfera de lo inmediato. Una realidad en la que el esp\u00edritu inventa, instruye, adivina y crea. En la que el esp\u00edritu se encuentra ante todo.<\/p>\n De Benito Quinquela Mart\u00edn<\/strong><\/p>\n El puerto de Buenos Aires lleno de barcos y personas trabajando sin dormir, con el sistema de cama caliente<\/strong> (se alquilaban las camas por horas, un obrero se levantaba para ir a trabajar y le dejaba el espacio a otro). El apogeo de una Buenos Aires y de un pa\u00eds, entre las dos Guerras Mundiales, que recib\u00eda inmigrantes y exportaba productos y materia prima. Un pa\u00eds gozando de una econom\u00eda fuerte.<\/p>\n Poco antes de todo esto, en 1890 un beb\u00e9 hab\u00eda sido abandonado<\/strong> en la Casa de los Ni\u00f1os Exp\u00f3sitos del barrio de Barracas y fue adoptado a los seis a\u00f1os por una familia del barrio de La Boca, los Chinchella, due\u00f1os de una carboner\u00eda. El ni\u00f1o primero ayud\u00f3 a su padre cargando bolsas de carb\u00f3n y luego comenz\u00f3 a dibujar y pintar de forma autodidacta. Con el tiempo se convirti\u00f3 en el artista emblem\u00e1tico de La Boca <\/strong>y en su alma mater: se trata, por supuesto, de Benito Quinquela Mart\u00ed<\/a>n.<\/p>\n Criticado por los artistas \u201cprofesionales\u201d (ya que Quinquela no hab\u00eda pasado por la Academia, no segu\u00eda las modas ni los estilos art\u00edsticos intelectuales ni de vanguardia, no hab\u00eda hecho la red de contactos profesionales usuales) y amado por la comunidad y la Rep\u00fablica Boquense (y en los mercados europeos y norteamericanos), el creador retrat\u00f3 mejor que nadie el esp\u00edritu trabajador de esa Buenos Aires que no dorm\u00eda<\/strong> con la entrada y salida de barcos plenos de personas y de productos.<\/p>\n En Elevadores a pleno sol<\/em> esto se observa claramente: no hay espacio del puerto que se encuentre vac\u00edo<\/strong>. Todo bulle, todo corre, todo urge: el humo sale de chimeneas m\u00faltiples, siempre produciendo.<\/p>\n Quinquela <\/strong>prefiri\u00f3 usar la esp\u00e1tula antes que el pincel (por eso el recargue de material, de \u00f3leo, en sus obras; los trazos en\u00e9rgicos, r\u00e1pidos, gruesos y el monumento situado frente a su casa-museo en La Boca, que lo retrata con esa herramienta en la mano).<\/p>\n Un rasgo definitorio de su personalidad es su compromiso con el barrio donde creci\u00f3: cuando Quinquela<\/strong> consigui\u00f3 una posici\u00f3n econ\u00f3mica holgada, fund\u00f3 y don\u00f3 a La Boca una escuela primaria, un lactario, un jard\u00edn de infantes, un instituto odontol\u00f3gico infantil, una escuela de Artes Gr\u00e1ficas y el Teatro de la Ribera. \u201cCaminito<\/a>\u201d tambi\u00e9n fue idea del artista, quien trabaj\u00f3 en conjunto con un grupo de vecinos: decidieron inaugurar una \u201ccalle-museo\u201d en el espacio donde se encontraban unas v\u00edas de tren abandonadas.<\/p>\nEsfera azul<\/h2>\n
El lobo de alfajores<\/h2>\n
Exclusi\u00f3n<\/h2>\n
La familia obrera<\/h2>\n
Pesadilla de los injustos (La conspiraci\u00f3n del mundo de Juanito Laguna trastorna el sue\u00f1o de los injustos)<\/h2>\n
Signos zodiacales impares
<\/h2>\nElevadores a pleno sol<\/h2>\n
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